Narrata da Tito Livio e ripresa dall’Abate Vertot d’Aubeuf e da Vittorio Alfieri nel Settecento[1], la vicenda della morte di Virginia si annovera tra la nutrita schiera di exempla virtutis che il rinnovato genere storico sperimenta dalla seconda metà del XVIII secolo per approdare a inedite soluzioni formali e a un linguaggio carico di contenuti[2]. Il racconto narra un episodio di morte preferita al disonore: il decemviro Appio Claudio, invaghito della bella Virginia, tenta di prenderla come schiava, ma il padre di questa afferra un coltello da macellaio e la uccide, piuttosto che vederla disonorata. Nell’interpretazione di Camuccini questa agghiacciante moralità è espressa con uno stile severo fatto di figure marmoree rigorosamente ordinate su una griglia prospettica rettilinea: uno stile di stoica sobrietà prossimo alle opere manifesto di David, anche se influenzato, a sua volta, dal precoce neoclassicismo delle illustrazioni di storia romana di Gravelot e dai dipinti di analogo tema eseguiti in precedenza da Gabriel-François Doyen (1760) e da Nathaniel Dance (1761)[3].

È sul finire del Settecento che l’artista romano riceve da parte di uno dei più prestigiosi viaggiatori e collezionisti britannici presenti a Roma, Frederick August Hervey vescovo di Derry e IV conte di Bristol, l’incarico di eseguire la monumentale tela pensata come pendant della Morte di Cesare, commissionata dallo stesso lord inglese nel 1793[4]. Qui le molteplici correnti del tardo Settecento con tematiche didascaliche, riforma stilistica e allusioni classiche, sono distillati in una immagine stoica, che coniuga genio pittorico e passione morale. Paragonate all’energia e al fervore presenti nel dipinto – di cui le due tele esposte sono rispettivamente lo studio preparatorio e un bozzetto rifinito della porzione sinistra[5] –, le precedenti raffigurazioni della virtù classica appaiono deboli sia nello stile, sia nella convinzione etica. Le loro oscillazioni, i loro compromessi sono ora completamente cancellati da un quadro che sintetizza le più rigorose potenzialità della forma neoclassica e della virtù della Repubblica romana. I personaggi messi in campo da Camuccini sono animati da una vigorosa asserzione di volontà. Nell’eroico gesto del padre di Virginia questa nuova proclamazione di energia morale pervade il corpo e la mente, dallo sguardo determinato del suo volto fermo ai muscoli in tensione dei suoi arti protesi. In drammatica contrapposizione la nutrice alle sue spalle è sopraffatta da un tragico dolore. Non è soltanto la composizione, con i suoi raggruppamenti separati, a rompere decisamente l’unità d’azione, ma persino lo stile del disegno distingue fra virile determinazione e abbandono femminile alle più deboli passioni. Così nel gruppo sinistro della scena, capeggiata dalla figura ieratica di Appio Claudio, i muscoli tesi nell’anatomia sapientemente studiata creano contorni e pose, i cui ritmi fermi e angolosi entrano in contrasto con i profili più malleabili e fluenti, che, salendo dal piede destro di Virginia fino a morire nel suo braccio sinistro, suggeriscono astrattamente un’immagine di estenuato e disperato dolore[6]. 

Sono opere come queste a apparire agli occhi di Giuseppe Mazzini critico d’arte tra gli esiti migliori partoriti da quella “scuola classica” – di cui Camuccini, insieme a Giuseppe Bossi, Andrea Appiani e Pietro Benvenuti, è tra gli esponenti più autorevoli – capace di cancellare con un colpo di spugna dalle precedenti arti figurative “l’esagerazione, l’artificiosità e il manierismo”. La sola scuola capace di purificare il gusto e di infondere alla pittura ideali nuovi e, sul piano formale, “la finitezza, l’esecuzione […] la perfezione dei particolari […] la purezza del disegno, la maestria del drappeggiamento, del raggruppamento sapiente e classico”[7]. Un’arte di transizione, dunque, indispensabile tuttavia per approdare alla moderna pittura di storia nazionale di cui Francesco Hayez ne è il massimo rappresentante; un’arte composta di magistrali artefici di una pittura che crede nella rinascita civile dell’uomo e che trova sui lidi della Grecia e di Roma il suo Paradiso Perduto.

- Stefano Bosi